ORIOL ESPINAL {archivo}

PhotoPoems Book C3 reúne las series 9, 10, 11 y 12 de PhotoPoems en color, cada una integrada por 12 fotografías capturadas en distintos lugares y momentos. Estos conjuntos de imágenes no solo conforman una secuencia visual, sino que sus piezas se entrelazan para configurarse como poemas visuales.

PhotoPoems Book C2 reúne las series 5, 6, 7 y 8 de PhotoPoems en color, cada una compuesta por 12 fotografías tomadas en distintos lugares y momentos. Estos conjuntos de imágenes no solo conforman una secuencia, sino que sus piezas se entrelazan para configurarse como poemas visuales.

Time Past and Time Future no busca documentar, ni despertar nostalgia, ni aventurar una profecía. Es un gesto. Un intento de recordar que el mundo —antes y después de nosotros— sigue y seguirá su curso hacia lo desconocido, indiferente al lenguaje y a la memoria.

En The Observed Ones, el fotógrafo contempla el espacio del museo como si se tratara de un escenario teatral. Más que registrar las colecciones o la arquitectura que las alberga, su mirada se concentra en el entramado relacional que emerge cuando el visitante interactúa con las obras en exposición.

Presentado en edición bilingüe, Cartas, obra poética reúne una selección fundamental del legado literario de Arthur Rimbaud. El volumen incluye una extensa nota biográfica, las dos cartas del «vidente» —acompañadas de los poemas anexos— y una docena de sus composiciones más representativas, además de la totalidad de sus dos obras capitales: Una temporada en el infierno e Iluminaciones.

Este estudio propone una lectura crítica y contextualizada de la trayectoria vital y literaria de Arthur Rimbaud. Se trata de una aproximación biográfica rigurosa, basada en los documentos que se conservan, que reconstruye la compleja figura del poeta tanto desde una perspectiva informada por los debates sobre subjetividad moderna, como desde los que abordan la estética de la ruptura vanguardista.

On the road no busca documentar aquello que los ojos del fotógrafo perciben desde la posición del copiloto, sino mostrar cómo la cámara funde su propia mirada con la del autor, constituyendo así una auténtica forma de otredad. El resultado no es un registro objetivo, sino una traducción del viaje mediante un nuevo lenguaje visual, capaz de convertir el desplazamiento físico en una poética del movimiento.

Stripping a Dark Forest fue compuesta en 2023 como la primera de una serie inspirada en La Divina Comedia. Escrita para recitador y orquesta, la obra traza un recorrido simbólico desde la oscuridad del Infierno hasta la luminosidad del final del Purgatorio, articulando musicalmente una suerte de transformación interior.

Reflections 2.0 es una versión digital de la pieza Reflexos, concebida en 1991 como parte de la instalación El Agua y el Silencio. La nueva composición mantiene la estructura original de la antigua, pero sustituye el bloque musical interpretado por ocho clarinetes por una versión ejecutada con ocho instrumentos diferentes. La nueva grabación fue procesada digitalmente mediante filtros que estiran el sonido, generando un timbre similar al de un órgano. El resultado genera una atmósfera mucho más inmersiva e hipnótica que la versión original.

Crossroads es un proyecto de arte digital concebido entre los años 2000 y 2002, desarrollado con la tecnología Adobe Flash, en un momento en que esta plataforma permitía explorar nuevas formas de interacción en Internet. En su concepción original, la pieza ofrecía al usuario una experiencia inmersiva, articulada a partir de una estructura visual y narrativa no lineal.

En agosto de 2015, un mes después del fallecimiento de mi amigo Pepe Gutiérrez, llevé a cabo la acción Desmantelando un mandala en el molino de Fernán Pérez (Almería). Concebida como un homenaje íntimo, esta intervención exploró la relación entre sonido, memoria y transitoriedad, en sintonía con la práctica budista tibetana que Pepe seguía. El interior del molino quedó convertido en un escenario de despedida, donde la música que salía de mi guitarra dialogaba con la disolución progresiva del mandala...

En Escenarios para un periplo el artista nos propone un viaje iniciático a través de una tríada de espacios, objetos o escenarios que invitan a la experiencia del arte a modo de peregrinación para alcanzar la sacralidad, la inmortalidad, la realidad absoluta o la busca de un centro como utopía. Entre la alquimia y el esoterismo, Oriol Espinal nos plantea el laberinto como imago mundi, y su centro como símbolo de la finalidad absoluta del hombre o la imagen del paraíso

Codex Viatoris ocupa, dentro de Escenarios para un periplo, la posición axial de libro-santuario. Inserto en la escultura Refugio para caminantes, su emplazamiento en el núcleo exacto de su estructura cúbica confiere a la obra un estatuto de centro geométrico y simbólico a un tiempo. Cerrado bajo la cubierta que ostenta un círculo de escamas —alusión inequívoca al dragón dormido—, el libro solo podía ser abierto tras la experiencia liminar: atravesar la puerta estrecha, recorrer el laberinto del suelo y culminar en el altar central.

Producción Poética {1990-2006} reúne, en edición bilingüe catalán-castellano, mis tres poemarios escritos en lengua catalana. El primero, Cròniques del fracàs (Crónicas del fracaso), escrito entre 1990 y 2001, agrupa una serie de poemas en prosa cuya temática se centra en la imposibilidad de alcanzar la perfección y la inevitable condena al fracaso que conlleva todo proyecto humano. El segundo, L’univers en tres versos (El universo en tres versos), escrito en octubre de 2003, presenta una colección de haikus dispuestos en una suerte de poema tripartito, donde cada elemento se conecta con el resto y con ninguno al mismo tiempo...

En este segundo volumen de Producción poética {2012-2023} se recogen los siete poemarios en lengua castellana publicados hasta el año 2023. Los tres primeros —Luz (2012), Muerte (2013) y Viento (2014)— fueron concebidos en el marco del ciclo poético Periferias, mientras que los tres últimos —Mares y jardines (2017-2018), Resurrecciones (2020-2022) y Agua oculta (2022-2023)— surgieron de manera independiente, sin la intención inicial de integrarse en una tríada. No obstante, desde cierta perspectiva, y atendiendo a los elementos que los vinculan, cabe afirmar que estos tres libros conforman las piezas de un nuevo y aún innominado ciclo poético.

Amar a Mar fue escrito entre noviembre de 2023 y abril de 2024. Su estructura tripartita —doce poemas por sección, cada una precedida por un soneto liminar— no fue concebida desde el inicio, sino que emergió a medida que los textos se sucedían, revelando poco a poco un orden latente que daba sentido al conjunto. La cifra final —treinta y nueve poemas— puede leerse como múltiplo de tres o como la conjunción de tres números primos (3 × 13): un dato incidental que, sin embargo, resuena con la cadencia interna del libro. A este juego de simetrías se suma un recurso singular: los tres sonetos comparten las mismas palabras finales en sus catorce versos. Esta reiteración...

La exposición Los poemarios que nunca escribiré se presentó en el molino de Fernán Pérez en paralelo a otra titulada La pureza de tu sonrisa. Instalada la primera en el piso superior y formalmente distante de la propuesta expuesta en la planta baja, ambas partían de poemas de mi libro Periferias, en el caso que nos ocupa, del soneto cuyo título da nombre a la exposición. Compuesto por versos deliberadamente pomposos y vacíos —aunque no exentos de cierto fulgor estético—, el soneto no era más que una lista de posibles títulos de poemarios que quizás podrían existir algún día...

Quadern de nit (Cuaderno de noche) és un libro concebido como parte inseparable de la escultura La sima de los libertos, tercera pieza del ciclo Escenarios para un periplo. Se presenta como un testimonio dejado por el visionario que, tras una travesía interior, regresa transformado a la realidad compartida. Cada doble página del volumen articula una estructura dual: en las páginas pares, dibujos secuenciales que representan la progresión de los escalones de la espiral ascendente; y en las impares, un texto poético que establece un diálogo entre voces multilingües.

El encargo de la Oficina de Gestió de Monuments de la Generalitat de Catalunya surgió con el propósito de mejorar la versatilidad del espacio absidal de la Colegiata de Sant Vicenç de Cardona. Dado su uso frecuente como sala de conciertos y de grabación de música antigua, el nuevo altar debía combinar un simbolismo profundo con la funcionalidad necesaria para facilitar su traslado.

Casi en paralelo a mi otro poemario Amar a Mar, y una vez cerrado el largo ciclo poético que abarca de 2012 a 2023, Las islas fue escrito entre abril y octubre de 2024, en diferentes lugares, pero bajo una misma disposición del ánimo —o del alma—: la de quien se retira discretamente del mundo exterior para observar con mayor claridad lo que acontece en su territorio interior. No se trata de una retirada radical ni de una clausura. Tampoco de una forma de alienación o de huida irresponsable, sino de un aislamiento que no cierra, sino que se abre, abrazando la insularidad que susurra a quien desea escuchar y percibir esos «rumores, sonidos y dulces brisas que deleitan sin herir».

El tema común de los poemas de Crónicas del fracaso, el primero de mis tres poemarios escritos en catalán, se nutre de la imposibilidad de alcanzar la perfección y de la irremisible condena al fracaso a la que todo proyecto humano está abocado. No se trata de un mero destino trágico, sino de la conciencia de que toda creación es un naufragio en potencia, una tentativa que se deshace entre los límites del talento, la inseguridad ante la tormenta de los días, los errores estratégicos, las trampas emocionales o, en última instancia, la fatalidad tout court.

Un desconocido llamó a mi puerta una tarde de otoño. Me entregó un sobre con versos y me encomendó una tarea sujeta a unas condiciones insólitas. Antes de marcharse, escribió en el dintel de la puerta: «La materia gira y el espíritu reposa». De aquel encuentro improbable nacieron los cuatro libros y el caligrama que presenté en esta exposición en 1996. Cantos finales es el fruto de una tarea dictada en la frontera de la vigilia, donde lo soñado acabaría transformándose en materia palpable y forma visible.

Estancia de la soledad es un proyecto de instalación que recrea la escenografía en la cual el poeta —encarnado en la figura del espectador— emprende un itinerario que lo conduce a adentrarse en sí mismo: en su jungla, en su mar, en su caverna. Se trata de tres etapas de un tránsito iniciático —un umbral, un centro y un retablo— representado a través de tres piezas escultóricas.

Los tres libros que integran el ciclo poético Periferias (Luz, Muerte y Viento) fueron escritos en 2012, 2013 y 2014 respectivamente. Si bien de entrada me impuse ciertas condiciones, con el tiempo me fui liberando de todo centro rector y opté por dejar que el propio poema fuera definiendo su hechura, su propia periferia, a través de su natural, y hasta cierto punto automático, fluir. El resultado final se presenta como una serie de composiciones formal y temáticamente muy diversas, cuyo único y buscado común denominador estructural son los poemas liminares y de cierre de cada libro.

Agua oculta es una continuación natural de Resurrecciones, así como Resurrecciones lo fue de Mares y jardines. En consecuencia, no sería desacertado afirmar que los tres títulos corresponden a las secciones de un único libro, de un diario poético que se inicia en 2017 y concluye en 2023. En el caso de Agua oculta, al igual que en Mares y jardines, algunos de sus poemas son fruto de los dramas, tragedias y alegrías que irrumpieron en mi vida durante el proceso de escritura...

La instalación El Agua y el Silencio se articula como una propuesta transdisciplinaria que explora la intersección entre lo visual, lo textual y lo sonoro. Desde una perspectiva fenomenológica, la obra invita a un proceso de significación en el que cada uno de estos lenguajes emerge y converge en una unidad sistémica, operando bajo una lógica de interdependencia semántica. En este sentido, los elementos que la configuran no pueden disociarse sin perder su potencial expresivo y hermenéutico.

Observatorio del origen propone una reflexión sobre el acto de observar y la transformación de la experiencia interior cuando se traduce en representación material. La pieza se estructura a partir de una dialéctica entre el ojo y la mirada, el adentro y el afuera, la luz y la sombra, interpelando al espectador no solo como observador pasivo, sino como participante activo de un proceso perceptivo y simbólico.

Tras varios años escribiendo cartas a su difunta esposa, todas ellas cargadas de argumentos científicos relativos a un pez fósil, el ictiólogo Santiago Miralda redacta, antes de darse muerte, la que será la última de la serie. Se trata, en este caso, de una carta muy distinta de las anteriores, en la cual, salvo en los prolegómenos de la misma, el profesor Miralda no hace mención de sus obsesiones. El resto del escrito está enteramente dedicado al relato de un sueño que el científico había tenido tiempo atrás...

Planteada como una alegoría sobre la imposibilidad de escapar de los tentáculos del sistema, Los círculos del sur nos habla, como diría Cernuda, del alto precio que deben pagar los libertos en ruptura con todo. El protagonista de la historia, Mario Mundi —un artista polifacético y cosmopolita—, decide dar un giro a su vida y adquiere una pequeña finca situada en una comarca remota y despoblada. Sobre las ruinas de la antigua vivienda construye una casa, de planta circular, donde se instala a vivir en compañía de su mujer. Escaso tiempo después de su estancia en la comarca, ambos vivirán una experiencia apocalíptica que...

Las aguas es un proyecto concebido como una meditación visual sobre el tiempo y el orden —o el desorden— cósmico. A través de la representación simbólica del agua en sus múltiples formas y significados, se articula como una tríada de gran formato —tres pinturas sobre papel de 200 x 200 cm— donde se despliega una poética de lo fluido, lo cíclico y la trascendencia del universo.

Desde las culturas más primitivas hasta la actualidad, la figura del dragón —Drache en alemán— ha sido un símbolo universal que ha perdurado tanto en Oriente como en Occidente. En él se encarna tanto el mito del monstruo y la representación del diablo, como la imagen del animal o aquello que hay de animal en nosotros mismos. Con el nombre de Drache, Oriol Espinal ha titulado su más reciente conjunto de trabajos...

12 Inventions for piano representa un punto de inflexión en mi producción musical, al haber sido concebida específicamente para un instrumento solista. A diferencia de mis composiciones anteriores, centradas en la música concreta, tanto analógica como digital, esta serie se mantiene dentro de unos límites menos experimentales, donde lo emocional no da la espalda a los procedimientos de transformación matemática y contrapuntística.

Los rapsodas de la torre de Babel es una obra que se inscribe dentro de la tradición de la música concreta y en la que exploro los límites del lenguaje desde una perspectiva acústica y estructural. Su punto de partida es mi poema La pureza de tu sonrisa, que no solo concibo como palabra articulada, sino como una manifestación de metalenguaje, donde la poesía opera como un dispositivo que trasciende la función comunicativa convencional y se adentra en la dimensión simbólica, rítmica y fonética del lenguaje.

El ojo de oro (L’ull d’or) es un libro-objeto concebido como núcleo simbólico del Tabernáculo para un manual, una de las piezas presentadas en la exposición Escenarios para un periplo. Custodiado en el interior de este sagrario escultórico, se presenta como un territorio de acceso restringido cuya apertura implica un gesto de transgresión ritual. Su secuencia de dieciséis páginas se organiza en cuatro hileras de cuatro elementos cada una, conformando una suerte de estrofa de un poema visual en el que imagen, palabra y color se entrelazan.

Presentado en el marco de la exposición Cantos Finales, y al igual que los otros tres libros de la serie, Cantos Finales, Libro I se construye bajo el signo de un relato de corte onírico y borgiano: un visitante anónimo irrumpe en el estudio del artista y le entrega dos sobres —uno con sesenta y seis versos anafóricos en catalán, el verso–respuesta «Es tiempo de erigir el templo» y las once letras sueltas que acabarán conformando el título Cants Finals; el otro con un diagrama esotérico que fija las reglas de la obra.

Aunque incorporan una lírica más acentuada de lo habitual, los poemas que conforman Resurrecciones no abandonan la senda que en mi anterior poemario marcaron las experiencias personales, ni renuncian a algunos de mis temas habituales: el poema y el acto mismo de componerlo, el amor en su doble componente carnal y espiritual (si es que el amor puede estar sujeto a categorías o dualidades), y los mares y jardines, ya sean de Almería o del país de los ensueños...

Finales se configura como un díptico narrativo compuesto por dos relatos independientes, «Ángel Salvador» y «Salvador Alas». Si bien ambos conservan su autonomía, uno y otro se entrelazan a través de una atmósfera compartida y una serie de elementos formales y conceptuales afines. Pero aquello que conecta de manera ineludible ambas historias es la decisión última de sus protagonistas: la elección consciente de abandonar la existencia, ya sea a través de la eutanasia voluntaria o del suicidio reflexivo.

En su texto de presentación de la exposición Unity, la crítica de arte Maria Lluïsa Borràs escribió: En la obra de Oriol Espinal la palabra es contenido y forma, tema y estructura, una morfología del verbo, la palabra sagrada «capaz —como dice el propio artista— de generar su propio corazón gráfico y, a la vez, la periferia que la enmarca y la defiende». En los diversos estudios preparatorios, así como en la versión definitiva de esta obra inquietante y enigmática, Espinal se vale de dos imágenes: la palabra y la mano. Dos elementos de los cuales se desprende una contraposición entre el pensamiento unido y el pensamiento único.

El rumor de otros mundos es una pieza creada exprofeso para la exposición colectiva Para Goya. La singularidad de la obra radica en un juego conceptual entre técnicas calcográficas tradicionales y contemporáneas; para la ejecución del retrato, partí de una estampa original del autorretrato con el que el pintor aragonés preludia su célebre serie Los Caprichos.

En agosto de 2013, compuse el poema La pureza de tu sonrisa en distintos escenarios del Cabo de Gata. Dos años después, lo utilicé como eje conceptual de una exposición multidisciplinar que integraba música, poesía, fotografía, dibujo y escultura. La muestra, que llevaba el mismo título del poema, exploraba la interconexión implícita entre las artes y cómo un género, en este caso el poético, puede desplazarse y transformarse en otras formas de expresión, generando un «cuerpo» interdisciplinar cuyos elementos dialogan entre sí a la vez que mantienen su autonomía expresiva.

La ciudad contemporánea es un territorio discursivo en constante reconfiguración, donde la comunicación visual institucionalizada convive con formas espontáneas de intervención ciudadana. Overlaps explora la tensión semiótica entre la publicidad comercial y las acciones anónimas que alteran su significado mediante grafitis, pegatinas o carteles superpuestos. Estas intervenciones, muchas veces de carácter político, no solo desafían la unidireccionalidad del mensaje original, sino que generan nuevas capas de significación...

Las pinturas de la serie Huida al centro son el resultado de una necesidad perentoria de huir, pero no hacia el exterior, sino hacia el núcleo más íntimo del ser. Lejos del escapismo, el conjunto de estos trabajos plantea un recorrido introspectivo donde el ahogo existencial se transforma en búsqueda de sentido. A través de la figura aislada, el espacio simbólico y el gesto suspendido, las pinturas nos hablan del trance, del combate espiritual y de la acción creadora. En este tránsito, el artista se sitúa en un ámbito donde la huida de sí mismo deviene regreso a un sí mismo transformado, a una forma de conciencia más profunda y serena.

Drei Tage Berlin se inscribe en una exploración estética y epistemológica sobre la representación del entorno urbano contemporáneo a través del medio fotográfico. Construida a partir de imágenes capturadas durante una estancia de tres días en Berlín en 2021, la serie no responde a una planificación previa ni a una intención documentalista en su concepción inicial. En su lugar, se configura como una cartografía visual subjetiva, articulada con imágenes tomadas en paseos por la ciudad...

Flora es una serie con la que me propongo mostrar la vegetación desde una mirada estética y sensorial, alejándome de un enfoque meramente descriptivo o documental. Mi objetivo es resaltar la forma y la textura de las plantas, descontextualizándolas para generar nuevas interpretaciones visuales y simbólicas.

Fauna es el resultado de mis encuentros fortuitos con el mundo animal, registrados sin planificación previa durante paseos y excursiones. Lejos del enfoque documental o taxonómico, la serie se adentra en una zona de ambigüedad perceptiva, explorando la relación entre lo animal y su entorno desde una mirada fragmentaria y descontextualizada. En muchas de las imágenes, el encuadre tiende a aislar fragmentos del cuerpo o a situar al sujeto en relación incierta con el paisaje, generando una tensión entre la forma y su disolución en el medio.

La correspondencia que Marian Espinal conservaba en su escritorio está formada por un conjunto de cartas y postales que el pintor escribió a su familia entre 1916 y 1931, y por una recopilación de cartas y postales que sus amigos, compañeros y otras personas le enviaron entre 1915 y 1965. Del primer grupo, son de especial interés las cartas y postales enviadas desde París entre 1919 y 1921, pero también las postales enviadas desde Tossa en el verano de 1918 o las cartas que escribió a Maria Vancells en los años de noviazgo. Unas y otras son documentos deliciosos que nos muestran la visión del mundo de un joven artista...

En 2018, con el objetivo de rescatar del olvido la figura de mi abuelo, el pintor y coleccionista Marian Espinal, desarrollé un sitio web dedicado a la divulgación de su obra. La plataforma ofrece un catálogo de sus trabajos pictóricos y de su colección de arte, además de poner a disposición del público su epistolario completo y otras informaciones. A través de esta recopilación, el sitio web no solo preserva su legado, sino que también proporciona una herramienta fundamental para investigadores y estudiosos del arte catalán.

En 2014, poco antes de terminar el tercer libro de Periferias, ideé un nuevo proyecto poético titulado Fuentes y afluentes. Mi propósito consistía en elegir un verso ajeno y utilizarlo como punto de partida de un nuevo poema. El proyecto quedó finalmente postergado y no fue hasta julio de 2016, al término de la lectura de un poema de Emily Dickinson, cuando decidí modificar las condiciones de la idea inicial: el nuevo proyecto se titularía Prolongaciones y las reglas del juego consistirían en tomar los últimos versos de veinte poemas —o de poemas enteros si estos eran muy breves— compuestos por sendos grandes poetas, para luego prolongarlos a mi antojo...

Meses después de haber terminado el libro Prolongaciones, retomé mi actividad poética componiendo algunas piezas sueltas, en todo momento a tientas y sin la concurrencia de premisas o reglas de juego. No obstante, no tardé en observar que aquellos nuevos poemas presentaban ciertos rasgos comunes y no poco significativos. A saber, todos los textos habían sido escritos de un tirón, hallándome yo en un jardín o frente al mar y actuando el medio natural como agente provocador de mis intuiciones más sutiles.

Strings Editions fue fundada en 2020 con el propósito de facilitar el acceso gratuito a un repertorio especializado en instrumentos de cuerda pulsada de los periodos Renacentista, Barroco y Clásico-Romántico. Su catálogo reúne ediciones cuidadosamente digitadas y transcripciones de alta calidad, adaptadas específicamente a la guitarra moderna. Asimismo, la plataforma ofrece un amplio directorio de fuentes originales y una selección de materiales audiovisuales elaborados por destacados especialistas en el ámbito de la interpretación históricamente informada.

A lo largo de los siglos XVI-XVIII, la tablatura o intavolatura fue el sistema de escritura predominante en la música para vihuela, laúd y guitarra barroca. En Intavolatura, grabado en 1999, Oriol Espinal nos acerca a este universo sonoro, durante mucho tiempo oculto en archivos y bibliotecas. Desde el refinamiento renacentista hasta la expresividad del Barroco, el disco ofrece versiones para guitarra moderna de piezas de Capirola, Milán, Narváez, Dowland, Sanz, Weiss y Bach, entre otros, interpretadas con un enfoque que respeta la tradición sin renunciar a una visión contemporánea.

En el entorno urbano, la pintura ha cumplido históricamente funciones utilitarias: embellecer fachadas, ocultar intervenciones no deseadas o trazar señales de tránsito sobre el asfalto. Sin embargo, cuando el ojo del artista se posa sobre estas superficies desgastadas, intervenidas y repintadas, surge una nueva lectura, una transfiguración que las convierte en objetos estéticos. New Old Paintings es una serie fotográfica que parte de esta premisa: transformar, mediante el encuadre y la selección compositiva, fragmentos de la ciudad en abstracciones pictóricas.

Portraits es un proyecto fotográfico iniciado en 1995. A diferencia de una serie concebida bajo premisas estrictamente definidas, esta colección ha tomado forma de manera progresiva a través de diversas estrategias creativas y contextos de producción, lo que permite su análisis desde distintas aproximaciones metodológicas. Desde una perspectiva estructural, puede dividirse en cuatro categorías principales. La primera corresponde a retratos de científicos realizados para ilustrar páginas web diseñadas personalmente...

Díptico negro está compuesto por los poemas Naturaleza muerta y 15 de agosto, ambos escritos en lengua catalana en 2006 y 2003 respectivamente. El primero se alimenta tanto de sueños inventados o de experiencias personales relacionadas con la muerte, como de reflexiones sobre el hecho poético y el poema mismo. El segundo se centra en una rememoración de la muerte, el velatorio y el entierro de mi abuelo materno, un relato donde se entrelazan versos ajenos (algunos de ellos dedicados a mi antecesor) y visiones fugitivas, acaso delirantes, propiciadas por el recuerdo de un mundo que ya no existe...

Desquites es una ficción inspirada en dos experiencias personales. La primera, haber sido víctima de abusos sexuales a manos de un sacerdote pederasta; la segunda, haberme encontrado, dos décadas más tarde y de manera inesperada, frente a mi agresor, a quien la casualidad lo había enviado a oficiar el funeral de uno de mis hermanos. Presa del asombro y reprimiendo mis instintos más primarios, me limité a mirar al cura desde la posición emocional del que ríe el último...

Escrito originalmente en catalán y en tan solo siete días, este libro puede leerse como si fuera una mera colección de haikus o como un poema tripartito en el que cada pieza se vincula con las demás a la vez que encierra su propio mundo. Salpican sus versos el asombro que la realidad genera en el individuo, la idea (siempre errónea) de la muerte, algunas paradojas, la autorreferencia poética, la celebración del amor o la evocación de las sombras del siglo pasado. El Universo en tres versos se constituye, pues, como un ejemplo de la intersección entre la tradición del haiku y la experimentación formal, fusionando una poética objetiva con un compromiso ético subjetivo.

Libro de bibliófilo perteneciente al n.º 4 de la colección Tríptic, de las Ediciones de Antonio Agra, con tres poemas de Àlex Susanna y un grabado original de Oriol Espinal, enriquecido a mano por el artista y estampado por Masafumi Yamamoto. Edición impresa en papel Michel de 250 g, con tipografía Bodoni. Tiraje limitado a 75 ejemplares numerados y firmados por los autores, además de una serie especial de 25 ejemplares sobre papel hecho a mano por Lluís Morera. Publicado en Barcelona, en diciembre de 1989.

La instalación Molino en Fragmento tuvo como propósito explorar la relación entre el objeto representado y su propia representación a través de la fotografía. Para ello, dispuse en el paramento interior del molino imágenes que capturaban detalles de su exterior. Este procedimiento estableció un vínculo especular en el que el molino, además de ser el objeto representado, se convirtió simultáneamente en el soporte material de su propia imagen. De este modo, busqué articular dos dimensiones de una misma entidad que, a pesar de coexistir, permanecieron ajenas entre sí, sin posibilidad de discernir si existía algo más allá de sus respectivos espacios interiores y exteriores.

La primera versión de la pieza teatral de Fernando Prats Motivo y variación sobre el fortuito encuentro con Thomas Bernhard, se representó en directo en Buenos Aires, julio de 1999, con la siguiente ficha técnica: Actores: Eleonora Mónaco, Alejo Recalde, Sony Báez, Fernando Prats; Música original: Sony Báez y Fernando Prats; Una producción de: Teatro del Vértice; Asistencia de dirección: Mónica Castaño; Dirección de actores: Eleonora Mónaco; Dramaturgia y dirección general: Fernando Prats. En 2009, a petición del autor y con motivo de la publicación del texto en formato de libro, escribí el prólogo Motivo y derivación.

PhotoPoems Book 1 reúne las cuatro primeras series de PhotoPoems, cada una compuesta por 12 fotografías tomadas en distintos lugares y momentos. Estos conjuntos de imágenes no solo conforman una secuencia, sino que sus piezas se entrelazan para configurarse como poemas visuales.

PhotoPoems Book 1 reúne las series 5, 6, 7 y 8 de PhotoPoems, cada una compuesta por 12 fotografías tomadas en distintos lugares y momentos. Estos conjuntos de imágenes no solo conforman una secuencia, sino que sus piezas se entrelazan para configurarse como poemas visuales.

PhotoPoems Book 3 reúne las series 9, 10, 11 y 12 de PhotoPoems, cada una compuesta por 12 fotografías tomadas en distintos lugares y momentos. Estos conjuntos de imágenes no solo conforman una secuencia, sino que sus piezas se entrelazan para configurarse como poemas visuales.

PhotoPoems Book 4 reúne las series 13, 14, 15 y 16 de PhotoPoems, cada una compuesta por 12 fotografías tomadas en distintos lugares y momentos. Estos conjuntos de imágenes no solo conforman una secuencia, sino que sus piezas se entrelazan para configurarse como poemas visuales.

PhotoPoems Book 5 reúne las series 17, 18, 19 y 20 de PhotoPoems, cada una compuesta por 12 fotografías tomadas en distintos lugares y momentos. Estos conjuntos de imágenes no solo conforman una secuencia, sino que sus piezas se entrelazan para configurarse como poemas visuales.

PhotoPoems Book 6 reúne las series 21, 22, 23 y 24 de PhotoPoems, cada una compuesta por 12 fotografías tomadas en distintos lugares y momentos. Estos conjuntos de imágenes no solo conforman una secuencia, sino que sus piezas se entrelazan para configurarse como poemas visuales.

PhotoPoems Book 7 reúne las series 25, 26, 27 y 28 de PhotoPoems, cada una compuesta por 12 fotografías tomadas en distintos lugares y momentos. Estos conjuntos de imágenes no solo conforman una secuencia, sino que sus piezas se entrelazan para configurarse como poemas visuales.

PhotoPoems Book 8 reúne las series 29, 30, 31 y 32 de PhotoPoems, cada una compuesta por 12 fotografías tomadas en distintos lugares y momentos. Estos conjuntos de imágenes no solo conforman una secuencia, sino que sus piezas se entrelazan para configurarse como poemas visuales.

PhotoPoems Book 9 reúne las series 33, 34, 35 y 36 de PhotoPoems, cada una compuesta por 12 fotografías tomadas en distintos lugares y momentos. Estos conjuntos de imágenes no solo conforman una secuencia, sino que sus piezas se entrelazan para configurarse como poemas visuales.

PhotoPoems Book 10 reúne las series 37, 38, 39 y 40 de PhotoPoems, cada una compuesta por 12 fotografías tomadas en distintos lugares y momentos. Estos conjuntos de imágenes no solo conforman una secuencia, sino que sus piezas se entrelazan para configurarse como poemas visuales.

El número 14 de Y Sin Embargo magazine explora la mecánica moderna de la acumulación. Dentro de este marco, presenté la serie fotográfica Photo(a)cúmulos, una reflexión sobre el exceso contenido o el contenedor excesivo: bienes, objetos e información que, con o sin un propósito claro, se amontonan en acto o en potencia. En una era de acceso absoluto, la conexión se multiplica, pero ¿dónde queda el criterio? ¿Cuándo el orden se convierte en saturación? ¿Por qué se quiere «tener» cundo no se tiene ni tiempo ni ganas?

El número 16 de Y Sin Embargo magazine se sumerge en los conceptos de Marcel Duchamp. En el ámbito de esta exploración, presenté el texto Rrose habla siempre en S. y la pieza fotográfica Nourishing concepts. En un ejercicio de apropiación y desplazamiento, el texto recrea una epifanía onírica en la que Rrose Sélavy dicta su manifiesto de la descreencia, mientras que la imagen encapsula el ready-made conceptual en una relectura comestible de la estética anestesiada. Ambos trabajos dialogan con la noción de obra «definitivamente inacabada» y el desliz semántico como detonante de nuevos significados.

En el número 17 de Y Sin Embargo magazine, dedicado a la exploración de los límites y resistencias de los medios gráficos, presenté el texto Las palabras y sus universos y el doble fotomontaje Bucle infinito, donde indago en la sobrecarga de significados, la codificación y el alcance de los mensajes. ¿Cuánto texto cabe en un texto? ¿Cuánto mensaje soporta un mensaje? Entre juego, crítica e ironía, pruebo la elasticidad del medio, empujando su arquitectura invisible hasta el límite.

El número 18 de Y Sin Embargo magazine plantea una pregunta urgente: ¿cómo definir nuevos códigos y vías de comunicación en un mundo donde el ruido ahoga el significado? En este contexto, presenté el poema Bestiario y la pieza fotográfica Trues, una exploración de las tensiones entre libertad y sociedad, entre mensaje y distorsión. ¿Cómo evitar ser asimilado por un sistema que lo absorbe todo? ¿Dónde queda el afuera? ¿O es el afuera solo otro eco dentro del laberinto?

El número 19 de Y Sin Embargo magazine aborda la naturaleza de lo convencional y el fenómeno del vaciamiento del discurso en el contexto de una sociedad caracterizada por la inercia centrífuga, la desmemoria y una constante fuga del significado. En respuesta a las premisas editoriales, presenté la pieza fotográfica History y el texto Pregunta y respuesta para un nuevo catecismo, donde examino, desde la ironía, el colapso del mensaje en una estructura comunicativa saturada y autorreferencial.

El número 20 de Y Sin Embargo magazine se pregunta sobre la posibilidad de otro desarrollo, de otro estado de cosas. ¿Qué ocurre cuando todo se comparte pero nada se comunica? Entre vínculos mutantes y discursos vaciados, la interacción constante deviene en un reflejo hueco. ¿Existe aún la posibilidad de otro sentido, de otra forma de estar? En esta ocasión, traté de responder a las preguntas del editor con el silencio del doble fotomontaje Música callada y la voz del poema Fuga.

El número 21 de Y Sin Embargo magazine examina el rol del libro analógico en un contexto digital dominante. En este marco, elaboré el texto Sueño tal vez no soñado y el fotomontaje Destinos, donde reflexiono sobre la fragilidad del objeto físico frente a la inmediatez digital. ¿Es el libro un refugio o un símbolo de resistencia? ¿Cómo redefinimos su valor en una era de acceso ilimitado y transformación constante?

El número 22 de Y Sin Embargo magazine analiza la digitalización como fenómeno que desestructura el materialismo capitalista. Desde esta óptica, abordé en Fragmento 1.0 y el fotomontaje Jokers el impacto del objeto digital, cuya reproducción y circulación desestabilizan los sistemas tradicionales de valor. ¿Cómo se redefine la propiedad cuando lo inmaterial cobra autonomía y se emancipa del soporte físico

El número 23 de Y Sin Embargo magazine indaga en la pulsión por poseer en la era digital. A partir de esta reflexión, desarrollé el fotomontaje Le dur désir de durer de mon disque dur, explorando cómo la posesión se redefine cuando el acceso es ilimitado. ¿Seguimos valorando lo que poseemos o solo la posibilidad de poseer? ¿Es la acumulación digital una necesidad o un residuo del hábito de la posesión material?

El número 24 de Y Sin Embargo magazine plantea si el desencanto contemporáneo es, en realidad, el desencanto de las redes sociales. A través del fotomontaje Muestra de laboratorio & Formulario, examino la paradoja de una hiperconexión que aísla. ¿Es la memoria digital un simulacro de permanencia? ¿La política del “Me gusta” sustituye el acto de reivindicación?

El número 25 de Y Sin Embargo magazine explora la memoria y sus transformaciones en la era digital. Con el poema Obertura y la pieza Presentausencias, analizo la fugacidad del recuerdo en un entorno donde la información se borra o se reescribe. ¿Cómo cambia la memoria cuando deja de ser una construcción subjetiva y se convierte en un archivo mutable y externalizado?

El número 26 de Y Sin Embargo magazine investiga la capacidad de adaptación humana en una era de saturación tecnológica. En el poema Sibila 1.0 y la pieza Acción/Contemplación, cuestiono la transformación del individuo frente a un entorno hiperestimulado. ¿Nos adaptamos por necesidad o porque el sistema nos empuja a un ajuste perpetuo?

El número 27 de Y Sin Embargo magazine examina la disolución del significado en una sociedad saturada de signos. A partir de un fragmento de mi novela Los círculos del sur y el fotomontaje Tupidos velos, reflexiono sobre cómo el lenguaje se vacía y se convierte en ruido. ¿Es posible todavía construir discursos con profundidad cuando todo se redefine en función de su circulación?

El número 28 de Y Sin Embargo magazine analiza la obsesión por la actualización y el descarte. En Díptico de la prosperidad Nº1, propongo una crítica a la lógica del consumo acelerado y la obsolescencia programada. ¿El deseo de lo nuevo responde a una elección o a una programación sistémica que impide detenerse?

El número 29 de Y Sin Embargo magazine se despide cuestionando si la comunicación digital equivale a una verdadera puesta en común. A través del poema Flujos y el fotomontaje Everything must change, examino la paradoja de una era hipercomunicativa donde el diálogo se disuelve en un flujo incesante de mensajes. ¿Seguimos compartiendo ideas o solo nos insertamos en una red de información que nos desborda?